III-й фестиваль. Воспоминания для будущего

В 2014 году Бишкекский городской драматический театр им. А. Умуралиева (БГДТ) во главе с художественным руководителем — заслуженным деятелем культуры Кыргызстана Айгуль Умуралиевой организовал 1-й Международный театральный фестиваль малых форм «Импульс». Он был посвящен памяти выдающегося кыргызского актера Арсена Умуралиева, творчество которого является образцом служения искусству. Главным объектом фестиваля стало актерское мастерство как основа театрального искусства.

И вот уже третий год подряд незаурядные актеры из России, Монголии, Литвы, Швеции, Германии, Косово, США, Хорватии и Кыргызстана, представляющие разные театральные школы и техники, демонстрируют в моноспектаклях потрясающее исполнительское мастерство и разнообразие средств сценической выразительности.

Несомненно, выйти один на один с публикой может только состоявшийся талантливый профессионал, личность со своей гражданской позицией, которая выражается уже в самом выборе материала. С редкими для сегодняшнего дня открытостью и откровенностью актеры ведут исповедь перед зрителями. В одних спектаклях глубокий внутренний мир персонажа раскрывается, как микрокосм, вселенная; в других акцент смещается на среду, формирующую главного героя, и перед публикой проходит целая галерея характеров и судеб, поражающая своим многообразием.

В регионе Центральной Азии на сегодняшний день «Импульс» является единственным фестивалем малых форм (пока – моноспектаклей). Спектакли эти – камерные, продолжительностью 1-1,5 часа. И фестиваль камерный. Но он держит высокую планку исполнительского искусства.

3-ий «Импульс» был посвящен объявленному в Кыргызстане Году истории и культуры. В спектаклях фестиваля показывались события прошлого, но они удивительным образом перекликались с современной реальной действительностью.

Постановку из г. Загреба «Бобочка или 100 других страниц «Филипа Латиновича» осуществил режиссер — Иван Лео Лемо. В основе — роман классика хорватской литературы Мирослава Крлежи «Возвращение Филиппа Латиновича». Играет ведущая хорватская актриса Эция Ойданич,.

За один час перед зрителем проходит вся жизнь Ксении Радажевой – Бобочки. В первых сценах актриса предстает в образе девочки в коротком белом платье и босоножках, со скакалкой в руках, простодушная и открытая миру. Актриса Э.Ойданич с прекрасными внешними данными, в замечательной физической форме, показывает этапы становления женской натуры своей героини. Она проживает каждую сцену со всей силой страсти и искренности. Она естественна во всех эмоциональных проявлениях, даже если они противоречивы. В ней сочетаются, казалось бы, несочетаемые качества: обольстительность и жесткость, чувственность и твердость, участливость и

надменность. Для Бобочки в исполнении Э.Ойданич самое главное – реализация женского начала, а ее история — это поиски своего места в жизни. На этом пути героиня прошла множество испытаний, имела много приобретений и потерь. Ее жизнь отражает историю страны и время, в котором она живет.

Э.Ойданич играет Бобочку и всех воображаемых персонажей. На сцене присутствует мужчина, как безмолвный собирательный образ всех мужчин в ее жизни. В системе координат «женщина-мужчина» главная ось оказалась смещена. Манипулируя мужчинами, Бобочка всегда стремилась к независимости, сама определяла свой путь во взаимоотношениях с партнерами. В любой момент могла порвать связи и идти по жизни дальше без оглядки. Не обремененная прочными узами и обязательствами, порвав отношения с близкими, она умирает на вокзале, разрушив все вокруг и, прежде всего, себя.

Автором и исполнителем спектакля «’33 (Кабаре)» является Бремнер Дати из г. Нью-Орлеан (США). Постановка Дэйва Доусона, новая версия Йозефа Фурнари. В основе – трагическая история известного в Берлине 1930-х годов кабаре «Эльдорадо», которое для тоталитарной Германии представляло опасность своим нерегламентированным существованием. Известно, что жертвами фашистского режима, в первую очередь, стали деятели культуры и искусства как носители свободы, выразители собственных взглядов, часто противоречивших власти.

Действие спектакля начинается в темноте. Слышно, как кто-то с шумом пробирается на ощупь. Включается свет, и герой Бремнера Дати видит, что в кабаре, куда он пришел, все перевернуто вверх дном после обыска. Валяются костюмы и реквизит. Никого нет, потому что все коллеги арестованы властями.

Герой Бремнера Дати словно подхватывает эстафету друзей. Звучат песни того времени, перед зрителями предстают разные персонажи. Конферансье с выбеленным лицом, в костюме 1930-х годов, с манишкой на груди. Клоун в красных залатанных штанах с подтяжками на голое тело и с красным клоунским носом. Главный герой примеряет костюмы друзей, исполняет их концертные номера, заполняет опустевшее пространство песнями, монологами. Сила драматизма сменяется смехом, боль гневом. Особенно щемящие чувства возникают, когда Б.Дати пытается натянуть на мужской торс желтую балетную пачку исчезнувшей женщины, исполняя мощным баритоном женскую песенку.

Главный инструмент блистательного певца, безусловно, — голос. Он пользуется им виртуозно, меняя тембр звучания, ритм речи. Кроме того, Бремнер Дати демонстрирует и мощный актерский талант. Зритель чувствует силу феноменальной актерской энергии Б.Дати, которая потоком льется через его пение, смену эмоциональных состояний. Актер не изображает исчезнувших друзей, а через их песни выражает свои чувства, отношение к ним и к происходящему. У Б.Дати необычайно высок эмоциональный градус исполнения. Он играет с неистовой силой личной сопричастности.

Практически Б.Дати, используя «эффект очуждения» (Verfremdungseffekt) Бертольда Брехта, не перевоплощается в персонажей, не вживается в образ, а показывает их со стороны, передавая нерв и пульс исторического времени. При этом он управляет эмоциями зрителей, заставляя зал смеяться и плакать. В эти моменты сценическое повествование получает новое звучание, обретая дополнительный объем.

Спектакль Б.Дати — о трагических взаимоотношениях человека и жестокой реальности 20 века. Решая проблему выбора, актер выражает свое отношение к происходящему, свою позицию. Никакая власть не может установить диктат над чувствами и мыслями человека.

Моноспектакль «Были слезы больше глаз» по произведениям М.Цветаевой поставлен режиссером А. Михайловым из г.Орел (Россия), а сыгран актрисой Валерией Жилиной. Драматургическую основу представляют «Повесть о Сонечке» и стихи 1918-1919 гг. Литературный материал отличается большим количеством событий, ассоциативной композицией.

Романтика революционного времени в холодное лихолетье зимней Москвы 1919 года будоражила умы и чувства молодых актеров и поэтов, начинавших свой путь в творчестве. Сквозь грозные будни пробивалось дыхание истории и реальности, полной жизни и мечтаний. Время исторического перелома причудливо и безжалостно отпечаталось на их жизнях.

В центре сюжета – юная Сонечка, ее любовь и судьба, Москва, с которой связаны радости и горести людей, время, которое запечатлено в них. В исполнении В.Жилиной Сонечка прелестна в своей непосредственности, импульсивна в эмоциях и порывиста в движениях. Ей свойственны внезапные подъемы и спады настроения. Ее пылкость и чувственность превращают прозаический рассказ в эмоционально насыщенную историю. Из рыжеволосой субтильной девочки-женщины лавой вырывается наружу внутренний огонь.

В.Жилина с поразительной органичностью и легкостью перевоплощается в разных персонажей: Сонечку Голлидей, Марину Цветаеву, ее дочь Алечку, Володю и др. У каждого из них — своя речевая характеристика, пластика, продуман каждый жест. Она увлекает за собой зрителя, захватывая внимание не только сюжетными перипетиями, но и великолепным мастерством, атмосферой свободы естественного течения жизни, талантом Сонечки чувствовать и любить. Актрисе удалось тонко и проникновенно выразить глубину человеческих переживаний, восторженность, нежность и трагическое предчувствие Сонечки.

Изумительный текст, поразительная органика, трепетность актрисы превращают спектакль в гимн любви и молодости. Одаренные юноши и девушки, нищие и воодушевленные, живут верой и надеждой. Их умение жить в полную силу, даже в самые смутные времена нужды и лишений, вызывает восхищение. В спектакле есть и комические сцены, но зритель полон сочувствия и любви к персонажам. Спустя сто лет мы знаем, какая трагическая участь впереди ожидала их, молодых, талантливых, вдохновенных.

Спектакль «Это я – Эдит Пиаф» Н.Мазур в постановке Е. Богинской сыграла Анастасия Вайнмар (г. Берлин, Германия). Эту пьесу зрители Бишкека уже видели в версии монгольской актрисы и певицы Баясгалан Церендорж в 2014 году. В той сценической версии поражало сочетание мощи голоса и телесной хрупкости. Исполняя песни Э.Пиаф, Б.Церендорж ярко проживала каждую из них.

Анастасия Вайнмар делает упор на драматическое повествование о трагической истории жизни, любви и смерти великой певицы. При минимуме внешних приспособлений актриса переносит зрителей в разные периоды жизни Э.Пиаф. Для нее важно, что стойкая и несгибаемая под ударами судьбы, французская певица всю жизнь отстаивала свою любовь, воспевала ее и дарила публике. А.Вайнмар не пытается играть по законам психологического театра. Она раскрывает историю Эдит Пиаф в контексте исторического времени по канонам «эпического театра» Б.Брехта, точно передавая внутреннее состояние персонажа. Через весь спектакль проходит контрапункт любовь и смерть, что эмоционально обостряет восприятие зрителей.

В моноспектаклях средства сценической выразительности: голос, интонации, мимика, пластика, свет, музыка трансформируются, приобретая более глубокое звучание. Играть в таких спектаклях могут только талантливые актеры, способные выйти один на один с публикой. При минимуме художественного оформления спектакля от них требуется максимум внутренней сосредоточенности и профессиональной зрелости. С этой точки зрения очень важен личностный фактор актера.

Каждый исполнитель фестиваля талантливо и ярко показал судьбу человека в контексте войн и катастроф трагического века. Актеры представили перед зрителями уникальные истории о любви и предательстве, мечтах и реальности, надеждах и разочарованиях, мужестве и малодушии, раскрывая сокровенные мысли и думы героев. Они показали, как время отражается на человеческой жизни и как человек воплощает это время.

Международный театральный фестиваль малых форм «Импульс» уникальными спектаклями не только позволяет увидеть потрясающие актерские работы, извлечь из прошлого уроки для будущего, но и побуждает зрителей задуматься о своей человеческой духовной состоятельности. В этом его миссия.

Кабдиева Сания,
кандидат искусствоведения,
профессор КазНАИ им. Т. Жургенова,
Заслуженный деятель РК